Libros de Escultura

Si te gustan los libros de escultura, sin duda aquí te mostramos los mejores de 2020.

Hay disponibles una gran cantidad de libros y manuales para que puedas leer.

En tu librería habitual puede que encuentres algunos libros de escultura, sin embargo, en Libreria10.com, contamos con los más vendidos.

A continuación encontrarás un listado de estos libros de escultura. Tanto si es tu primera búsqueda sobre este tema como si no lo es, puedes comenzar por estas lecturas. Te encantarán.

Conseguimos actualizar la lista de ofertas el día por la mañana.

TOP VENTAS #1Esculturas Cámara Modelo Adorno Vintage Juguete De Cámara para Niños Decoración De Decoración De Bar Cafetería Retro Cámara De Fotografía Vintage Souv
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TOP VENTAS #2Eduardo Chillida. Catálogo razonado de Escultura Iii (1983-1990) (EDUARDO CHILLIDA. CATÁLOGO RAZONADO DE ESCULTURA / ESKULTURAREN KATAOLOGO ARRAZOITUA
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TOP VENTAS #3Diccionario visual de términos de arte (Arte Grandes Temas)
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TOP VENTAS #4Modelado de la figura humana en arcilla (Pintura Y Dibujo)
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Libros recomendados de este año

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libros de escultura recomendados para tus ratos de ocio

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Recomendaciones de libros para leer ahora

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Esculturas Decoración De Sala De Estar De Estilo Europeo Meditador del Renacimiento Artesanía Abstracta Adornos De Arte Tallado Coleccionables Hechos
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Editorial 10

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Cerámica práctica. Técnicas para crear objetos de uso cotidiano
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La escultura negra y otros escritos
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Procedimientos y materiales en la obra escultórica (Bellas Artes)
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Calvendo Lienzo 45 cm x 30 cm, Horizontal, Escultura de Tigre y Tortuga en Duisburgo, Imagen sobre Bastidor, Imagen Lista para Colocar sobre Lienzo au
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Miguel Ángel. La obra completa:pintura, escultura y arquitectura
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Miguel Ángel. Obra Completa
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Modelado de la figura humana en arcilla (Pintura Y Dibujo)
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En la ciudad de Roma, a lo largo del siglo xvi, los escritos difamatorios que hasta ese momento llenaban los muros de la urbe pasaron a ocupar los cuerpos de 6 estatuas que en escaso tiempo se transformarían en las redes sociales del Renacimiento. Por medio de las esculturas parlantes se denunciaban injusticias y se desvelaban abusos de poder desde el espacio público a través de la fijación de sátiras anónimas en estatuas, versos que se llamaron panfletos por ser el Pasquino la primera figura en emplearse para ese fin. Esculturas que charlan ahonda en el origen, historia y evolución hasta la actualidad de esta original y creativa forma de difusión de críticas única en el planeta. Recoge además de esto una selección de panfletos dirigidos contra personajes españoles que revelan aspectos de la historia de la Italia de España de los siglos XVI y XVII desde la particular perspectiva de estas esculturas a las que absolutamente nadie ha podido acallar.

El llibre recull per primer cop el treball de disseny i construcció d’imatgeria festiva (dracs, gegants, capgrossos i bestiari festiu divers) dels tallers Sarandaca, Ventura&Hosta i Dolors Sans. Presenta les biografies, l’evolució dels tallers i les seves opinions sobre la festa popular mitjançant entrevistes en profunditat. S’exposen de forma detallada les tècniques i els materials de construcció. Completa el llibre un inventari dels aproximats mil elements construïts pels 3 tallers fins l’any dos mil dieciocho. També proposa una reflexió sobre la festa des d’una perspectiva etnogràfica, folklòrica i sociològica, amb articles de Bienve Moya, Amadeu Carbó, Xavier Cordomí, Paco Cruz i Jo Farb Hernández. Està il·lustrat amb doscientos setenta imatges, la majoria inèdites, de la imatgeria festiva dels 3 escultors de la festa.

Este libro ofrece una visión clara y ordenada de la creación escultórica del siglo veinte, desde la concepción figurativo-narrativa tradicional al arte ideal de los años setenta. Para esto, la autora recurre al análisis de obras y artistas específicos, haciendo singular hincapié en aquellos aspectos –objeto de la representación, tratamiento del espacio, integración de técnicas nuevas- que distinguen a los primordiales movimientos.

Vinculado, como otros grandes historiadores del arte europeo, al fecundo Instituto de la ciudad de Londres Rudolf Wittkower (mil novecientos uno-mil novecientos setenta y uno) se distinguió por sus ejemplares estudios sobre la arquitectura y la estatua del Renacimiento y el Barroco: Architectural Principles in the Age of Humanism (mil novecientos cuarenta y nueve), Gian Lorenzo Bernini (mil novecientos cincuenta y cinco), Art and Architecture in Italy mil seiscientos to mil setecientos cincuenta (mil novecientos cincuenta y ocho). La estatua, edición póstuma de una serie de conferencias pronunciadas en la Universidad de Cambridge en mil novecientos setenta-mil novecientos setenta y uno, no es una historia de la estatua occidental ni un manual de técnicas, sino más bien una indagación en un campo menos explorado: la interacción de procedimientos de trabajo y principios formales, interacción que en el caso de la plástica determina, de forma más esencial y tangible que en otras artes, el carácter final de la obra y la capacitación de los estilos individuales y colectivos. A través de el análisis atento de obras y testimonios directos, Wittkower ofrece una entendimiento más profunda de la estatua de cualquier temporada, desde la Antigüedad hasta nuestros días, y una visión inesperada de esa permanencia de inconvenientes y soluciones que hermanan la tarea de los canteros medievales con los sacrificios de un Brancusi o bien un Henry Moore.

Este libro no solo un manual de técnicas. Más que describir procedimientos para su aplicación por la parte del estudiante o bien del lector, se ocupa sobre todo de hacer una reflexión en torno a de qué manera los propios métodos de trabajo y los materiales empleados condicionan el proceso creativo, renovando la valoración de la estatua desde la correspondencia de las diferentes aproximaciones contemporáneas a la realización artística.

Un libro para todos y cada uno de los amantes del arte. La figura de Miguel Ángel está reflejada mediante su vida mas primordialmente de su obra, que se describe con detalle, acompañada de imágenes. Se incluye un análisis detallado de los frescos de la Capilla Sixtina y una descripción de las obras de los artistas que le sirvieron de ejemplo y de aquellos a los que inspiró (Durero, Rafael, Leonardo, Tiziano...).

El libro aborda por vez primera el extenso abanico de los nuevos lenguajes artísticos que penetran en España en los años sesenta y setenta del siglo veinte. En los Conceptualismo(s) poéticos se examinan los nuevos comportamientos artísticos que se desarrollan desde el fin del Informalismo y el comienzo del Pop hasta el paso a los años ochenta, en el marco de un contexto histórico, político y social estigmatizado por la decadencia del franquismo. Resaltan artistas individuales y colectivos que inauguran nuevas prácticas como la acción, el vídeo, el cine experimental, las nuevas relaciones entre el arte y el lenguaje, la naturaleza, la política, el objeto… Un arte que se expande cara los medios y el arte sociológico, ampliando su acción a la poesía experimental, el Arte Postal o bien el libro de artista. En Conceptualismo(s) políticos se examina el espíritu de rotura de una generación artística marcada por las premisas ideológicas del Situacionismo internacional y el Mayo del sesenta y ocho francés, que, en el particular contexto político de España, dieron al movimiento ideal en España una dimensión política y ético-social. El arte debía convertir la sociedad y con esto la corporación artística. El Conceptualismo de España tuvo todos y cada uno de los ingredientes revolucionarios de transformación de la sociedad propios de la vanguardia histórica. Se hizo patente una doble lucha desde el arte: contra el régimen político y contra el régimen artístico. Por último, en Conceptualismo(s) periféricos nos encaramos a la nueva conciencia de globalidad que ha relativizado el estrellato de los «centros» en frente de las «periferias» y ha impulsado la valoración de las impurezas del alegato artístico y la especificidad de cada sitio y contexto. En periferias como España o bien Latinoamérica, la versión analítica del Arte Ideal de los países anglosajones no es el modelo. El proyecto de las «periferias» se encuentra enraizado a una realidad política y social donde los lenguajes poéticos devienen políticos. De esta forma sucedió en España, con aires de genuina rotura con el pasado, abriendo las puertas a un alegato posmoderno, levantándose de forma fuerte desde la periferia.

: Temas como el espacio, la materia, la manera, el análisis del tiempo y del movimiento, y los inconvenientes del lenguaje y la comunicación propios de todos y cada uno de los campos artísticos, se abordan en este texto desde la reflexión que provoca nuestra pertenencia a un planeta que vemos y sentimos en volumen. Una experiencia que estimamos hermosa y que en ocasiones es conveniente «reconocer». Esta compilación consta de una serie de tratados y manuales referentes a los distintos conocimientos propios de los estudios universitarios de Preciosas Artes, amoldados a las demandas de los planes educativos establecidos en la UE.

En la exposición antológica de Eduardo Chillida que tuvo lugar en la capital española en mil novecientos setenta y tres, Clara Janés conoce al escultor y se empieza entre ellos un diálogo sobre la creación artística que proseguirá indefinidamente. En uno de sus encuentros siguientes, Chillida plantea a Clara hacer un libro juntos. Van a pasar diecinueve años hablando del libro, que, por último, se materializará con el título de La indetenible quietud en mil novecientos noventa y ocho. Clara, que cree en el azar, festeja esa larga espera, que acentuó su amistad con Chillida y la llevó a captar lo que movía su impulso creativo y a ver sus vínculos, alén de la materia y la inspiración específica, con todos y cada uno de los descubrimientos de la física y la astronomía actuales. Vio asimismo que por todo ello la obra de Chillida es simbólica de nuestro tiempo. Mientras, una entrevista, artículos, otros poemas y cartas se habían sucedido. Este material, reunido bajo el título de Sondas al infinito, forma una segunda una parte del libro, complemento de la primera (en la que se recogen los poemas y una reproducción de los grabados de La indetenible quietud).

Sexo, misterio y religión. 3 cuestiones entrelazadas, 3 miradas para desembrollarlas. Como punto de inicio, la llamada Villa de los Misterios en Pompeya y su renombrado fresco. Haciendo tabla rasa de las interpretaciones pasadas y de las lecturas para especialistas, Paul Veyne aborda una investigación meticulosa que ubica estas pinturas en un planeta femenino ideal, empapado de poesía dionisíaca y que desemboca en una fenomenología del sentimiento religioso entre los hombres de la Antigüedad. Como contrapunto a este análisis, François Lissarrague nos introduce en la imaginería del gineceo, al tiempo que Françoise Frontisi-Ducroux se aventura, ahora, en el campo de la erótica griega, para interesarse por las modalidades de la mirada en los instantes más íntimos.

El «Diccionario histórico de los más ilustres profesores de las Preciosas Artes en España», publicado por don Juan Agustín Ceán Bermúdez en mil ochocientos, forma el primer intento serio de crear una Historia del arte de España desde unas bases científicas y estrictas. Para lograrlo, y sus amigos ilustrados -entre otros muchos, Jovellanos- hicieron una ingente tarea de investigación en los ficheros españoles con la intención de sacar a la luz todo lo que pudiese contribuir al conocimiento de nuestras artes. Y lo hicieron con tal rigor que todavía el día de hoy, doscientos años tras su aparición, prosigue siendo un libro de consulta imprescindible para el estudio de la pintura y la estatua españolas de los siglos pasados.

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